Третьяковская галерея – это крупнейшее в мире собрание русского искусства. В этом году Третьяковской галерее исполнилось 165 лет, это один из самых старых и известных московских музеев. А основана она была купцом (сегодня мы назвали бы его предпринимателем, бизнесменом) Павлом Михайловичем Третьяковым, по имени которого музей называется до сих пор. Годом основания нашего музея считается 1856 год, поскольку именно тогда Третьяков купил первую картину своей коллекции. Уже в 1881 году Третьяковская галерея стала доступна для посетителей, но при этом оставалась частной. А в 1892 году, еще при своей жизни, Павел Михайлович передал галерею в дар городу Москве. К моменту смерти Павла Михайловича в 1898 году коллекция музея насчитывала больше 3300 произведений. Все они были размещены в одном здании, где стены были заняты картинами от пола до потолка.
Если перенестись на 165 лет вперед, в наше время, то невозможно не поразиться тому, как за это время выросла Третьяковская галерея. К 2021 году в коллекции галереи больше 200 тысяч музейных предметов – картин, скульптур, икон, акварелей, фотографий, архивных документов, редких книг. Сейчас Третьяковская галерея занимает несколько зданий. Одно из них находится в Лаврушинском переулке – там расположена экспозиция русского искусства XVIII -начала XX веков. Другое – неподалеку, на Крымском валу, на берегу Москвы-реки — там размещено искусство XX и XXI века. Еще в нескольких зданиях расположены различные отделы галереи (от научных до технических), архив, библиотека и, конечно, «запасники» галереи. «Запасники» — это специальные хранилища, где находятся произведения искусства, не включенные в основную экспозицию и демонстрируемые только на временных выставках. Кроме того, у Третьяковской галереи несколько филиалов в Москве; в основном это дома-музеи и мастерские художников.
Таким образом, сегодня Третьяковская галерея – это целая сеть музеев под единым руководством. Тем сложнее вообразить себе, что коллекция, которая сегодня лежит в ее основе, была собрана одним человеком, купцом, — Павлом Михайловичем Третьяковым. Значение его личности подчеркивается еще одним музеем, открытом совсем недавно, в 2021 году. Это Музей Павла и Сергея Третьяковых, расположенный в центре Москвы, в доме, который принадлежал семье больше 100 лет и где братья родились, где можно лучше узнать о Павле Михайловиче и его брате, тоже известном меценате и сооснователе галереи. В музее много мемориальных предметов, фотографий и документов из собрания архива Третьяковской галереи, где я работаю. Приглашаю вас его посетить, а пока сама немного расскажу о личности Третьякова и о его принципах как собирателя. Я участвовала в разборе архивов, связанных с семьей Третьякова, и переиздании воспоминаний его дочерей, а сейчас я с коллегой готовим архивные документы Павла и Сергея Третьяковых для показа в этом музее.
Павел Михайлович родился в 1832 году в семье купца (торговлю начал еще его прадед). В семье, кроме него, было 9 детей. Он получил полное домашнее образование, работать в лавках (магазинах) своего отца начал, судя по всему, с 13 лет.
Когда ему было 18, отец умер, и вскоре Павел как старший сын приступил к ведению торговых дел вместо него. Когда Павлу Михайловичу было 28, он вместе с братом Сергеем и коллегой (Коншиным) открыл в Москве свой торговый дом, где торговал тканями – как русскими, так и иностранными. Дом располагался на улице Ильинке.
Еще через 6 лет они основали в Костроме Новую Костромскую льняную мануфактуру, в которую входило 3 фабрики. В 1882 году на них трудились 1800 человек. При мануфактуре были общежития, больница, аптека, классы, где взрослых мужчин и женщин по воскресеньям учили грамоте, бесплатная начальная школа. Это предприятие существует до сих пор и в прошлом году отметило 155-летие.
По мере того, как росло состояние Третьяковых, они также становились владельцами доходных домов.
Для своего времени братья Третьяковы стали очень обеспеченными людьми. Однако заработанные средства они щедро вкладывали в то, что могло принести пользу другим, и были также одними из крупнейших благотворителей. Они жертвовали деньги Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества; Арнольдовскому училищу для глухонемых детей; Московской консерватории. В XIX веке благотворительность и меценатство было одной из традиций у крупных предпринимателей, поскольку деньги не могли помочь им заслужить признание у общества. Для Третьяковых, возможно, важна была также религия и ее постулаты. Но для Павла Михайловича коллекционирование стало также делом всей его жизни, в необходимости которого для русского общества он был уверен.
Павел Михайлович говорил: «Моя идея была, с самых юных лет, наживать для того, чтобы нажитое от общества вернулось бы тому же обществу (народу) в каких-либо полезных учреждениях; мысль эта не покидала меня никогда во всю свою жизнь».
Первую русскую картину ПМ купил в 1856 году, когда ему было всего 24 года, — в современном мире это возраст недавних выпускников университетов. А спустя 4 года, в 28 лет, он составил завещание, в котором впервые выразил желание создать в Москве доступный для всех музей русской национальной школы.
И затем Павел Михайлович на протяжении более 40 лет целеустремленно формировал коллекцию, не прекращая заниматься своей основной торговой деятельностью – которая и давала ему средства на покупку картин. Люди, знавшие его как коллекционера и как купца, говорили, что это были словно два разных человека. В бизнесе ПМ всегда был строг и серьезен, в коллекционировании – чуток и внимателен.
Став коллекционером, Павел Михайлович решил собирать современную отечественную живопись и графику. Коллекционеров, интересовавшихся именно русским современным искусством, было тогда не так много, чаще коллекции включали в себя также европейскую живопись, а кроме нее – рукописи, книги, народное искусство и другое. Павел Михайлович посвятил коллекционированию большую часть жизни, для него это было не только про покупку картин, но также про общение и дружеские связи с художниками, посещение выставок и музеев в Европе с целью воспитать художественный вкус.
На коллекционирование уходила значительная часть средств ПМ, и это не изменилось после его женитьбы на представительнице другого купеческого рода – Вере Николаевне Мамонтовой. Семья очень много значила для коллекционера: несмотря на активную деятельность, он был достаточно замкнут, и в его сокровенные замыслы были посвящены главным образом близкие. Вера Николаевна страстно любила музыку и была хорошей пианисткой; она обратила на себя внимание серьезного и замкнутого купца именно игрой на фортепиано на одном из вечеров. Выйдя замуж, она продолжала каждый день играть на фортепиано, привив музыкальный вкус и детям. У Третьяковых родилось 6 детей: 4 дочери и 2 сына. Они росли в доме, где все стены были завешаны картинами, сегодня известными каждому российскому школьнику.
Родные Третьякова изображены на некоторых картинах из его коллекции. Перед нами портрет Веры Николаевны Мамонтовой, написанный известным русским художником Крамским. Супруга коллекционера вспоминала, как во время сеансов позирования ее дети читали ей вслух книжки. Ей «ужасно хотелось», чтобы художник в портрете как-то напомнил о детях, и они придумали «зашифровать» их в изображении божьей коровки, сидящей на зонтике, жука, бабочки, кузнечика и птички на ветке.
Портрет был написан на даче, и это – еще одна жизнь семьи Третьяковых, которая всегда летом снимала дачу под Москвой. Там дети устраивали игры, гуляли по полям и лесам, катались на лодке по реке. Особенно любили парк.
Кроме того, Павел Михайлович любил путешествовать, и в эти путешествия часто брал с собой супругу и кого-то из детей. Третьяков не жалел денег на посещение женой и детьми театров и музеев, но в целом старался воспитывать их в строгости и не баловать. Регулярно вместе с семьей бывая в Париже – городе-законодателе мод, он считал, что одежду надо покупать на Родине. В путешествиях он регулярно брал для семьи ночные билеты с сидячими местами вместо спальных и был возмущен, если члены его семьи жаловались на это, спрашивая «а как же другие ездят?».
Неутомимый путешественник, за свою жизнь он посетил более 20 государств (в основном в Европе) и свыше 250 больших и малых городов. Поездки часто были длительными (от трех до восьми недель), а их география — достаточно широкой. Он всюду стремился посетить крупнейшие художественные галереи и выставки, осмотреть исторические достопримечательности. Аскетичный в быту (и требующий того же от близких), он много ходил пешком и быстро перемещался между городами, редко задерживаясь где-то надолго. При выборе достопримечательностей Павел Михайлович обычно пользовался рекомендациями из путеводителя «Бедекер», а по вечерам посещал театр, оперу, концерты. Сохранившиеся документы показывают, что путешествия были для Павла Михайловича не столько разновидностью досуга, сколько способом познания мира.
СТЕКЛЯННЫЙ ПОТОЛОК И МЕМОРИАЛЬНАЯ КОМНАТА
Неслучайно так много говорим о его личной жизни и семье, так как именно семья была для Третьякова тем источником, в котором он черпал силы. Часто, говоря о великих людях, не вспоминают об их тылах, хотя в том числе благодаря этим тылам люди стали тем, кем стали. Дочери Третьякова после его смерти немало сделали для сохранения галереи и продолжения ее пополнения, сохранения его архива. А при жизни коллекционера расходы всей семьи ПМ были подчинены делу его жизни. Ведь деньги требовались не только на покупку картин, но и на пристройки к дому, который приходилось расширять, чтобы вместить в него всю разраставшуюся коллекцию. Ритм жизни всей семьи тоже подчинялся интересам ПМ. Так, в 1881 году, когда собрание было еще собственностью Третьякова, оно уже было открыто для всеобщего посещения; музейных смотрителей еще не было, и часто гостей сопровождала супруга Вера. А в 1892 году, еще при своей жизни, Павел Михайлович заявил о решении подарить Москве коллекцию картин вместе с галереей, где она экспонировалась. Решение передать галерею городу до своей смерти было принято ПМ из-за смерти его брата, Сергея.
Немного о брате:
Коллекционером был не только Павел Михайлович, но и его брат Сергей, собиравший современную европейскую живопись и графику, но не так активно. Сергей больше занимался благотворительной и общественной деятельностью, в частности, дважды был избран городским головой. Сергей Михайлович скоропостижно умер в 1892 году от разрыва аорты на даче в Петергофе, оставив завещание, по которому передавал брату свое собрание картин и часть дома в Лаврушинском переулке, «так как брат мой Павел Михайлович Третьяков выразил мне свое намерение пожертвовать городу Москве художественную коллекцию и в виду сего предоставить в собственность Московской Городской Думе свою часть дома, обще нам подлежащего…». В наши дни коллекция Сергея Михайловича распределена по другим музеям (поскольку ядро нашего собрания – отечественное искусство, а СМ собирал в основном западное), однако в начале прошлого века являлась частью Третьяковской галереи. Чтобы исполнить волю брата, П.М. Третьяков передал в 1892 году свою и его коллекции в дар городу Москве, оставшись пожизненным попечителем (проще говоря – директором) галереи и занимал эту должность до своей смерти в 1898 году. В итоге, уже на последнем десятилетии жизни Павла Михайловича, его галерея превратилась в крупнейший музей национального искусства в России. А дар Третьяковых стал одним из самых известных и крупных актов меценатства в России.
Немного рассказав о коллекционере, хотелось бы остановиться подробнее на его коллекции. Чем она уникальна и чем типична для своего времени? Какие работы и как отбирал Третьяков?
Время, когда начала складываться коллекция Третьякова, совпало с периодом интенсивного развития русской национальной школы живописи. В России во второй половине XIX века работало множество талантливых живописцев, и Третьяков старался отразить в коллекции творчество каждого из них. Он по-настоящему вкладывал в коллекционирование душу, дружил со многими живописцами, старался поддерживать их, в том числе материально. Для художников, особенно молодых, было честью, когда их картины пополняли собрание Третьякова. Ставшие известными живописцы часто предлагали купить свои новые картины именно Третьякову, и очень дорожили его мнением.
Какие же картины были отобраны для музея самим Третьяковым?
Павел Михайлович любил природу и тонко понимал ее, поэтому в его коллекции было немало пейзажей. Предпочтение он отдавал изображениям родной природы, подчеркивая в письмах к художникам: «…я не желал бы венецианского (то есть итальянского – О.М.) вида, все уж очень надоели они, я лучше подожду», говоря о том, что ищет для своей коллекции «хороший альбомный рисунок, жанр <…> и лучше если бы русский».
В коллекции Третьякова было много пейзажей, на которых изображена именно русская природа. Это связано не только с предпочтениями собирателя, но и с выбором самих художников. Прежде, в первой половине XIX века, они чаще писали природу Италии, куда некоторые из них отправлялись после обучения в Академии художеств, получив денежное пособие – аналог современного гранта. А во второй половине XIX века, когда складывается коллекция Третьякова, живописцы все чаще обращаются к родной природе.
Я покажу несколько таких работ известнейших пейзажистов, приобретенных Третьяковым. Для многих русских людей они и в наши дни являются символами родной природы, ее мощи и красоты.
Вкусы Третьякова очень хорошо отражены в письме, которое он отправил одному художнику, заказывая ему пейзаж: «Мне не нужно ни богатой природы, ни великолепной композиции, ни эффектного освещения, никаких чудес, дайте мне хоть лужу грязную, но чтобы в ней правда была, поэзия, а поэзия во всем может быть, это дело художника». Эти слова подходят ко многим купленным им пейзажам, в том числе к картине Алексея Саврасов «Грачи прилетели» (1871).
Алексей Саврасов преподавал в художественном училище в Москве и призывал своих учеников восхищаться природой, находить прекрасное и поэтическое в самом простом и обыденном пейзаже. Картину «Грачи прилетели» Саврасов написал в поездке в русскую провинцию, куда он отправился после смерти новорожденной дочери, чтобы восстановить душевные силы. Сюжет картины очень прост. После долгой русской зимы в деревню (тоже типично русскую, с маленькими деревянными домиками и церковью) вернулись перелетные птицы – грачи, которые начали вить гнезда на березках. Мы словно слышим, как возбужденно галдит эта стая, сообщая и художнику, и нам, что суровая зима и испытания скоро закончатся, а в природе и человеческом сердце оттает лёд и потеплеет.
Другой русский пейзажист, Иван Шишкин часто изображал на своих работах бескрайние и необъятные просторы русской земли, а русский лес стал главной темой в его творчестве. Одна из самых известных его работ — «Утро в сосновом лесу» (1889), где Шишкин запечатлел, как утреннее солнце проникает в чащу, в глубине которой еще лежит холодный туман. Каждая сосна на картине не похожа на другую, каждая словно имеет свой характер. Одни сосны тянутся к солнцу, другие покосились, дерево на переднем плане рухнуло. В центре картины изображена медведица с медвежатами. Интересно, что медведи были написаны не Шишкиным, а другим художником – Константином Савицким, подпись которого прежде была на картине. Однако Третьяков решил стереть его подпись и закрепить авторство картины за одним Шишкиным, так как считал, что самое выдающееся в «Утре в сосновом лесу» — это пейзаж. И в наши дни из-за этого решения Третьякова далеко не все люди знают, что в создании картины принимал участие еще один художник. Так решение коллекционера повлияло на историю русского искусства и на имена художников, которые закрепились в памяти его сограждан.
Невозможно представить себе русскую пейзажную живопись без имени Ивана Айвазовского, чьей главной темой в творчестве стало море. Море утреннее, дневное и ночное, море на рассвете и на закате, море в штиль и море в бурю – оно всегда было источником вдохновения для художника. Третьяков высоко ценил творчество Айвазовского, но покупал его картины с осторожностью. Живописец создавал произведения очень разного художественного качества, часто пользовался яркими контрастными красками, из-за чего некоторые его работы внешне эффектны, но словно не совсем реальны. В коллекцию Третьякова попали другие произведения художника, где краски более сдержанны — например, «Радуга» (1873). Спокойные тона картины не мешают художнику передать драму борьбы моряков со стихией. Их корабль тонет, и они пытаются спастись на шлюпке. Художник изобразил их в момент, когда сквозь штормовые тучи пробилось солнце, пронзившее влажную пелену воздуха и брызги. В небе родилась радуга, которая символизирует их надежду на спасение. Приобретая «Радугу», Третьяков не сомневался, что стал обладателем шедевра.
Среди картин, которые приобретал Третьяков, много произведений исторического жанра – то есть картин с сюжетами из истории, Библии или мифологии. Это, с одной стороны, отражает интересы самого купца. С другой, так сложилось и из-за того, что исторический жанр картины в XIX веке считался самым важным и сложным.
Во второй половине XIX века русские художники все чаще начинают обращаться к сюжетам русской и мировой истории с тем, чтобы найти в них ключ к пониманию современности. Один русский художник этого времени, Иван Крамской, говорил, что «историческую картину следует писать только тогда, <…> когда исторической картиной… затрагивается животрепещущий интерес нашего времени».
Многие исторические картины, купленные Третьяковым, отвечали этим требованиям, а потому вызывали в обществе ожесточенные споры. Мы познакомимся с двумя такими произведениями известнейших русских художников и узнаем о том, как они оказались в собрании Третьякова.
Илья Репин – один из самых известных русских художников, мастер портрета, исторических и жанровых картин. В исторических картинах художник отталкивался от книг известнейших ученых-историков своего времени. Однако для него книги были в первую очередь материалом, который он старался творчески переосмыслить. Поэтому его произведения – это не просто иллюстрации к русской истории, но размышление о ней.
В основу сюжета картины «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» (1885) легла история, связанная с русским царем Иваном Грозным. Грозный правил в XVI веке и был известен своей жестокостью и насилием — по отношению и к населению, и к собственным ближним. По одной из версий, его жертвой стал даже его собственный сын, которого Грозный заподозрил в измене и убил, в гневе ударив его по голове своим острым жезлом. Этот сюжет и лег в основу картины Репина.
Стараясь придать картине значение подлинной и исторической, художник заранее срисовывал в музеях подлинные предметы одежды, посох царя. Однако гораздо важнее для него оказалось показать неоднозначный характер Ивана Грозного, попытаться проникнуть в его эмоциональное состояние, найти причину его поступка. А в образе умирающего сына царя Репин воплотил идею всепрощения и печаль молодого человека от осознания ухода из жизни.
Сюжет картины перекликался с современными событиями. За несколько лет до завершения картины, в 1881 году, был убит российский император Александр II. За этим последовали казни его убийц, при которых Репин присутствовал. Репин писал: «Естественно было искать выхода наболевшему трагизму в истории… Чувства были перегружены ужасами современности…». Многие образованные люди воспринимали картину Репина как гневный протест против кровавого террора.
Но произведение было воспринято неоднозначно. Многие упрекали Репина за излишний натурализм. Вопрос, актуальный для искусства и сегодня: к чему ведет натуралистичное изображение насилия? Отторгает ли это зрителей от насилия или, наоборот, провоцирует на него? Современники по-разному отвечали на этот вопрос, но Павел Третьяков признал в картине шедевр и приобрел ее для своей коллекции. Этим он вызвал неудовольствие самого императора Александра III, которому картина не понравилась, и коллекционеру передали повеление не выставлять картину для публики. Третьяков не отступал и собирался повесить картину в отдельной комнате, когда завершится пристройка к галерее. Впрочем, через три месяца запрет был снят, и картина стала частью экспозиции Третьяковской галереи.
Однако на этом «приключения» картины не закончились. Тридцать лет спустя, уже после смерти Третьякова, душевнобольной посетитель галереи изрезал ее ножом с криком «Довольно крови!». Картина прошла тогда сложнейшую реставрацию. Совсем недавно, в 2018 году, безумная история повторилась: нетрезвый посетитель галереи разбил стекло картины столбиком ограждения и успел перед задержанием нанести картине повреждения. Вплоть до сегодняшнего дня картина снова находится в реставрации. Таким образом, можно сказать, что картина и в наши дни будит в зрителях те же переживания, что и 130 с лишним лет назад. А вопрос о том, как изображение насилия влияет на зрителей, по-прежнему не потерял актуальности.
Об интересе к истории говорят и картины другого живописца – Виктора Михайловича Васнецова. Хотя на первый взгляд многие из них являются иллюстрациями к сказкам, на самом деле они – свидетельство интереса к русскому фольклору. Русские сказки в это время активно собираются, записываются и публикуются, а русские художники и писатели читают их вслух, собираясь вместе.
Даже те картины Васнецова, сюжеты которых не были взяты из сказок, были им приписаны, как в случае со знакомой вам картиной «Аленушка», где Васнецов изобразил сироту, но сейчас эта девушка воспринимается всеми как сестра, брат которой превратился в козленка.
А вот картина «Иван царевич на сером волке» действительно была написана на сказочный сюжет. Это полотно воскрешает эпизод народной сказки в переложении А.Н. Афанасьева: «Иван-царевич, сидя на Сером Волке вместе с Прекрасною Еленою, возлюбил ее сердцем, а она — Ивана-царевича». Но внимание художника останавливается не на изображении сцены любви, а на предчувствии несчастий, что ждут возлюбленных впереди. Поэтому лицо Елены Прекрасной исполнено грусти.
Интересно, что одной из моделей для образа царевны послужила старшая дочь Третьякова Вера.
Елена Прекрасная спокойна, она напугана волком и случившимся, не смотрит на темный лес и полностью доверила свою жизнь царевичу. Посмотрите внимательно на волка, у него человеческие глаза, это волк-оборотень, но в нём нет ничего дикого, страшного, он — друг и готов не только на помощь, но и на самопожертвование.
В цветах одежды героев преобладают голубой и золотой оттенки, чаще всего используемые в изображении чудес и божественных явлений. Красивая яркая одежда героев противопоставляется темному лесу, а ветка цветущей яблони — это символ надежды и благоприятного финала.
Васнецов стремился раскрыть тончайшую связь между переживаниями человека и природы. Эта картина открывает традицию выражения в живописи неразрывной связи человека с природой через изображение настроения человека и состояния природы. Огромные стволы деревьев темного, непроходимого леса похожи на великанов-чудовищ. Сквозь их переплетенные ветви едва пробивается тревожный свет утренней зари. Таит опасность топкое болото с кувшинками. Героев окружает атмосфера тревоги и печали – беглецов ждут несчастья и разлука. А на первом плане – чудесно расцветшее яблоневое дерево – символ всепобеждающей любви, знак счастливого конца сказки.
Наконец, важное значение для коллекции Третьякова имели портреты. С конца 1860-х годов Третьяков начал специально покупать и заказывать портреты выдающихся деятелей русской культуры – писателей, композиторов, актеров, музыкантов, мыслителей. Эта идея коллекционера отражала потребность русского общества его эпохи в символах национального идеала, нравственных ориентирах, воплощенных в отдельных личностях. При этом Третьяков не старался включать в свою галерею императоров, военачальников и других официальных лиц.
Целью Павла Михайловича было создать «музей в музее»: внутри национальной картинной галереи – национальную портретную галерею (и сначала портреты в экспозиции специально висели рядом). Для этого коллекционер не только покупал, но и заказывал такие портреты выдающимся живописцам, даже помогал художникам убедить разных людей стать моделями. Критериев для отбора было два: первый – историческая роль изображенного, второй – художественная ценность портрета.
Одно из таких произведений, заказанных Третьяковым художнику Василию Перову, — портрет Федора Михайловича Достоевского (1872). Достоевскому тогда было 50 лет, он уже написал романы «Преступление и наказание» и «Идиот», благодаря которым сегодня его знают во всем мире.
По мнению многих русских художественных критиков середины XIX века, любой портрет, заслуживающий внимания общества, должен отражать не только внешнее сходство, но и передавать характер личности, а то и ее основную черту, которая духовно выделяет ее из толпы.
В этом смысле портрет Достоевского является своего рода образцом. Из полумрака проступает бледное, нервное лицо писателя, в котором словно пульсирует мысль. Он не смотрит на зрителя, а его руки сцеплены в замок. Это создает впечатление, что он погружен в свои мысли, из которых будто не может вырваться.
Жена Достоевского вспоминала, что художник, прежде чем начать работу над портретом, в течение недели каждый день навещал их и беседовал с писателем. По ее мнению, Перов сумел за это время подметить самое характерное выражение в лице ее мужа, которое было у него, когда он был погружен в свои художественные замыслы.
В современной Третьяковской галерее портреты больше не висят все вместе и сгруппированы иначе: или по отдельным художникам, художественным школам и направлениям, или по хронологии развития русского искусства. Однако традиция приобретения портретов выдающихся русских людей сохранилась по сей день, и доля портрета в собрании достаточно велика.
Другая стратегия Третьякова как коллекционера — это «собрать русскую школу [живописи], как она есть в последовательном ее ходе». Поэтому Третьяков, особенно часто в 1880-1890-е годы, приобретал картины, которые вызывали споры не только в связи с идеями, но и с новаторскими поисками художников – в том числе портреты.
Такой картиной была, например, «Девушка, освещенная солнцем» (1888) Валентина Серова. Этот художник работал в разных жанрах, но прославился прежде всего как мастер портрета. Моделью для него стал не какой-то известный человек, а двоюродная сестра и друг живописца — Мария Симонович. У самого Серова эта картина была одной из самых любимых, а в наши дни она считается выдающимся примером русской импрессионистической живописи.
Художник хотел написать портрет на свежем воздухе, где солнце пробивается сквозь листву и создает затейливую игру света и тени. Зеленая листва цветными тенями отражается на лице, руках, блузке модели – так же, как на полотнах французских художников-импрессионистов.
Но в свое время портрет подвергся резкой критике художников-реалистов. Цветные отсветы на лице девушки сравнивали с пятнами язвы. Однако Третьяков считал, что в его галерее русское искусство должно быть представлено в развитии и разнообразии, и он приобрел произведение в свое собрание.
С этой картиной связана одна интересная история. В 1936 г., почти через 50 лет после создания портрета, его модель Марии Симонович все еще была жива, но ей был 71 год. Она случайно познакомилась с мужчиной, который, зайдя к ней в гости, увидел у нее репродукцию этого портрета. Он признался: эта девушка 30 лет назад стала его первой любовью, и каждый день он ходил в Третьяковскую галерею, чтобы полюбоваться портретом. Хотя он был очень удивлен, узнав, что на портрете – хозяйка дома, он признался ей, что глаза у нее все такие же, как на портрете. Этот случай, возможно, показывает, как важен для традиции русского портрета психологизм, передача характера и души модели, внутренней человеческой сущности, которая останется неизменной и через 50 лет, — даже если художники, создавая портрет, экспериментируют с художественными приемами.
По мнению некоторых современных исследователей, Павла Михайловича Третьякова можно рассматривать не только как основателя галереи. В каком-то смысле он и есть один из создателей истории русского искусства, ведь он поддерживал те произведения, которые общество и художественный мир не всегда принимали. И сегодня мы видим, что по собранной им коллекции действительно можно отследить основные этапы русского искусства второй половины XIX века.
В 1898 году Павел Третьяков умер. Как я уже упоминала, галерею он передал в дар Москве еще при своей жизни, став ее первым главой. Все залы галереи, которую он оставлял, были полностью заполнены картинами и рисунками. Возможно, поэтому его последней волей было оставить коллекцию нетронутой, то есть перестать приобретать для нее новые произведения искусства. Если бы общество с этим согласилось, то музей по сути был бы законсервирован, поскольку перестал бы отображать развитие русского искусства. Завещание Третьякова по сути противоречило его же желанию создать галерею национального искусства.
К счастью, было принято решение оставить все, что было в галерее Третьякова, в неизменности, но при этом продолжить расширять собрание на деньги московских властей. Новые приобретения предполагалось размещать в здании рядом с галереей, где прежде жила семья Третьякова. Напомню цифры: к смерти Третьякова в галерее было больше 3300 произведений, сегодня – больше 200 000. Очевидно, насколько интенсивно пополнилось собрание галереи за последние сто с лишним лет благодаря принятому тогда решению.
В наши дни коллекция Третьяковской галереи продолжает пополняться. Решение о приеме в дар или покупке той или иной картины, скульптуры принимается не одним человеком, а целой комиссией, куда входят сотрудники различных научных отделов. В коллекцию поступают произведения не только современных художников. Галерея продолжает собирать произведения, относящиеся ко всем периодам истории русского искусства.
Коллекция продолжает пополняться, а музей – расширяться. В настоящее время идет активное строительство нового здания Третьяковской галереи на Кадашевской набережной, где у музея появятся новые выставочные площади, открытое хранение и реставрационные мастерские. Также в ближайшее время будет открыт дом-музей основателей галереи — Павла и его брата Сергея Третьяковых. Планируется открытие еще двух филиалов в Москве, в том числе мастерская Ильи Кабакова, которая задумывается как центр московского концептуализма. Помимо этого, начали открываться филиалы Третьяковской галереи в других городах России; осенью этого года – в Самаре. Предполагается, что Третьяковская галерея будет устраивать свои выставки не только в Москве, но и в разных городах России.
…Перед своей смертью основатель Третьяковской галереи, Павел Михайлович Третьяков, очень печалился из-за того, что у него не остается сыновей, готовых продолжить его предпринимательское дело. Хочется верить, что если бы он знал о том, какой долгий путь предстоит его музею, как он вырастет и окрепнет, он бы гордился тем, что успел сделать, начав с покупки одной картины в далеком от нас 1856 году.